Perception et territoire – Méditerranée

Francois-Machado_Perception-et-territoire_Mediterranee - Because Art Is

François Machado

Perception et territoireMéditerranée – projet 2014-2016 – 52 x 580 x 272 cm

François Machado is born in 1979 in France. He is working and living in the south of France. He mainly explores volumes and subjects surrounding us without attracting our attention. That way, the artist creates poetic installations by revealing what we don’t look at, sharing with us a strong artistic work.

François Machado est né en 1979 en France. Il travaille et vit dans le sud de la France. Il explore principalement les volumes et sujets qui nous entourent sans attirer notre attention. De cette façon, l’artiste crée des Installations poétiques en révélant ce que nous ne regardons pas, partageant avec nous un solide travail artistique.

The artist website – Le site de l’artiste : here – ici

More about the artwork – Plus d’info au sujet de l’oeuvre : here – ici

 

A french writter, Elisabeth Couturier, shared some very good words about his work in French, translated here:

« In fact, Machado focus on empties and full which are parts of our environnement. Those through which we circulate, without noticing, without seeing it. Or those, too, that stand in a particular part of our imaginary. »

That way,  in between other projects, the artist is working on a representation (scale: 2/3 millionth), hanging above our heads, of the Méditerranée, or more specifically the contact surface in between water volume and extremities of the earth. A stunning idea.  Then, the non-submerged lands disappear and the water that became solid, presents itself as a physical entity charged of memory :  » We speak, says the artist, about the Mediterranée, we know it, but do we know how it looks like? But do we know how to recognize its form when it is isolated? ». »

 

Quelques mots très justes écris par l’écrivaine Elisabeth Couturier au sujet de l’artiste:

« En fait, Machado se focalise sur les pleins et les vides qui dessinent notre environnement. Ceux à travers lesquels on circule, sans y penser, sans même les voir. Ou ceux, encore, qui occupent une place à part dans notre imaginaire. »

Ainsi a-t-il pour projet, entre autres, de représenter, à échelle 2/3 de millionième, suspendue au-dessus de nos têtes, la Méditerranée, ou plus exactement la surface de contact entre la masse d’eau de cette mer et la croûte terrestre. Une idée proprement renversante. Alors, les terres non immergées disparaissent et l’eau, devenue solide, se présente comme une entité physique chargée de mémoire : « On parle, dit-il, de la Méditerranée, on la connaît, mais sait-on à quoi elle ressemble ? Saurions-nous identifier sa forme lorsqu’elle est isolée ? » »

 

Portrait of Elisabeth Couturier – Portrait de Elisabeth Couturier : here on Aica France – ici sur Aica France

Video Interview of François Machado: here – ici

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Additive Inverse

Because Art Is - William Forsythe - Additive inverse

William Forsythe – Additive inverse, 2009 – Dancing performance – Thread, metal pins, wood, smoke, videoprojection

Choreographic object by William Forsythe in collaboration with Philip Bußmann Dancer: Alessio Silvestrin – Production: The Forsythe Company / 21_21 Design Sight / Tokyo – Music: Thom Willems – Producer: Julian Gabriel Richter
April 7. 2007, 21_21 Design Sight, Tokyo

Tokio, 21_21 Design Sight, 2007
Dresden, Festspielhaus Hellerau, 2007
London, South London Gallery, 2009
Seoul, Arko Art Center, 2010

Artist website (here) – Site de l’artiste (ici) – Danse company website (here) – Site de la Compagnie de danse (ici)

« A celebration of the career of iconic choreographer William Forsythe, as an American working internationally for the last thirty years, Forsythe is recognised as one of the world’s foremost choreographers. His work is celebrated for reorienting the practice of ballet from its identification with classical repertoire into a dynamic 21st-century art form.

Composed of thread and fog, the material work is a score for a delicately sustained solo performance. This installation by William Forsythe is made in collaboration with Philip Bußmann, features a soundtrack by Thom Willems and is performed at the Arko Art Center by Alessio Silvestrin. »

« The floating, spectral gestures of Additive Inverse summon our primary fascination with language and illusion. This is a correspondence with one of the fundamental objectives of theater: to lend a calculation of language the quality of spontaneous materialization. »

Texte from Spring Wave (here)- Texte provenant de Spring Wave (ici)

Details on the South London Gallery website (here) – Détails sur le site de la Galerie South London (ici)
« William Forsythe est un danseur et chorégraphe américain né en 1949. Il devient directeur artistique du Ballet de Francfort en 1984 et occupe ce poste jusqu’en 2005. Il fonde alors sa propre compagnie : The Forsythe Company, en résidence à Francfort, tout en assurant la direction artistique du festival d’art contemporain Festspielhaus Hellerau. William Forsythe a plus d’une centaine de créations à son actif, présentées dans les lieux les plus prestigieux de la planète : l’Opéra de Paris, le Nederlands Dans Theater ou encore le New York City Ballet. »
Text from Agenda Culturel (here) – Texte de Agenda Culturel (ici)
Son travail est célèbre pour avoir réorienté la pratique du répertoire de ballets classiques vers une forme dynamique d’art du 21ème siècle.
Photo © Julian Gabriel Richter
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The five stages of grief

Victoria Siemer - The Five stages of grief - Because Art Is - becauseartis.com

Victoria Siemer
The five stages of grief. ( Les cinq étapes du deuil ).
Photography, 2014.

« Victoria is a graphic designer living in Brooklyn NY. Obsessed with the idea of the fragmented self, she recreates and develops this theme in her visual work. It’s as if the art itself is an act of repetition compulsion for her. »

Victoria est designer graphique, vivant à Brooklyn, New York. Obsédée par l’idée de l’être fragmenté, elle crée et développe ce thème dans son travail artistique. C’est comme si, l’art lui-même, était une compulsion répétitive selon l’artiste.

Quote from WorldPhoto.org – Trad. by Because Art Is.

The artist website (here) – Le site internet de l’artiste (ici).

Article about her on a very interesting website : Artists inspire Artists (here) – Article sur elle sur un site internet très intéressant : Artists Inspire Artists (ici).

The title of the artwork seems to be a reference to Elisabeth Kübler-Ross’s book “On Death and Dying”, written in 1969.  She was the first to develope the idea of five stages in normal grief.

Le titre de l’oeuvre semble être une référence au livre de Elisabeth Kübler-Ross “On Death and Dying », écrit en 1969. L’écrivaine fut la première à développer l’idée des cinq étapes d’un deuil classique.

More details on psychcentral (here).

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Stacks of you

Stacks of you - Moonassi - Daehyun Kim - Because Art Is
Moonassi – Daehyun Kim, Stacks of you – (Des piles de vous), June 2013 29.5 x 42cm, Ink on paper (Encre sur papier)

Daehyun Kim, aussi connu sous son nom d’artiste Moonassi, est un artiste Coréen né à Séoul en 1980.

Daehyun Kim, known as his artist name Moonassi, is a Korean artist born in Seoul in 1980.

« I was born in Seoul in 1980, now live and work in Seoul. I studied oriental painting which is a study on the traditional East Asian painting. I’ve been drawing Moonassi series since university. The series is my life-time project. There is no specific background story or a theory about the drawing. Each drawing is created based on my daily thoughts and feelings. I draw to meditate on myself and others, and to be able to see the whole story of the series in the end. »

Je suis né à Séoul en 1980, et y vis et travaille actuellement. J’ai étudié la peinture orientale qui est une formation sur les peintures traditionnelles d’Asie de l’Est. Je dessine les séries Moonassi depuis l’université. Les séries sont mon véritable projet de vie. Il n’y a pas d’histoire de fond spécifique ou de théorie précise développé dans mes dessins. Chaque dessin est créé en fonction de mes pensées et émotions quotidiennes. Je dessine pour méditer sur moi-même ou sur les autres, autant que pour être à même de visualiser l’ensemble de l’histoire de cette série à son terme.

Quote from the artist website, translation by Because Art Is. (See more artworks Here) – Citation du site internet de l’artiste, traduite par Because Art Is. (Voir plus d’oeuvres Ici)

Discover Moonassi’s interview on Artchipel (Here) – Découvrez une interview sur le site internet Artchipel (ici).

Illustrations and books (here) – Illustrations et livres (ici).

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Wedge

Gay Outlaw Wedge, 2013 Glass, epoxy, plywood 17” x 14” x 14”
Gay Outlaw
Wedge, 2013
Glass, epoxy, plywood
17” x 14” x 14”

Le titre de l’oeuvre signifie : « coin », ou « recoin ».

Artiste website – Site de l’artiste.

GAY OUTLAW

Born in 1959 in Alabama.

« Outlaw realizes her abstract forms in a challenging mix of materials, from glass to plastic to felt, to found materials like pencils or rubber hoses– at times, she has employed food in her sculptures. Even as a fan of minimalism, she offers viewers new relationships to formal art, taking them beyond its past rigors. »

Née en 1959 à Alabama aux États Unis.

Outlaw réalise ses formes abstraites dans un mélange technique de matériaux, du verre au plastique, en passant par le feutre ou des matériaux de récupération comme des crayons ou tuyaux en caoutchouc. Il lui est aussi arrivé de d’utiliser de la nourriture dans ses sculptures. En fanatique du minimalisme, elle offre une autre approche de l’art formel, dépassant sa rigueur traditionnelle.

Extract from Paule Anglim Gallery website, free translation by Because Art Is.
Extrait du site internet de la Galerie Paule Anglim, traduction libre de Because Art Is. (Here – Ici).

Paule Anglim represents permanently the artist Gay Outlow and had organized a marvelous exhibition of her work in 2014 at the Gallery in San Francisco. Unfortunatly, Paule Anglim passed away on Thursday April 2, 2015. We acknowledge her strong work and invite you to go see the retrospective set in her honor. You can still go there until June 27th.

Paule Anglim représente l’artiste Gay Outlaw de façon permanente et avait organisé une exposition somptueuse de son travail en 2014 à la galerie de San Francisco.

Malheureusement la galeriste Paule Anglim est décédée le 2 avril 2015. Nous saluons son travail colossal et vous invitons à aller découvrir la rétrospective organisée en son honneur à la galerie. Il vous reste jusqu’au 27 juin 2015 pour la découvrir.

Infos about Gay Outlaw past exhibition at the Galerie Paule Anglim – On Visual Art Source.

Infos sur la dernière exposition en date de Gay Outlow à la Galerie Paule Anglim – Sur Visual Art Source.

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Installation

Because Art Is - Kristian Nygaard - Installation at NoPlace Oslo. 2014.

Kristian Nygaard, Installation at NoPlace Oslo. 2014.

 

Site internet de l’artiste

Artist Website

 

Noplace in Oslo, discover the institution website

 

« The One Thing After Another
Per Kristian Nygaard at KHM Gallery
by Wojciech Olejnik

Per Kristian Nygaard’s exhibition The One Thing After Another explores the influence of social and political ideologies on public and private space, on its material composition, on its architecture. Consider House (2010), a model of a high-rise building constructed out of unfinished plywood. It towers over the viewer like a modernist sculpture, simple and elegant in its design and use of material. Such simplicity marks much modernist city planning and architecture, which seem to embody a bare rationality developed out of a rigorous consideration of the placement and arrangement of objects. This approach involves the implementation of an overarching order, where even ornamentation stems from its very structure, according to an inner logic. House (2010) presents the deduced, bare essentials of such a logic: form and material. Presented as a model it acts as a demonstration of the original design, of the formal concerns that precede the eventual completion of the structure, and in its unpainted state it brings attention to the raw material used in its construction.

It is no secret that in modernist architecture the materials used were often left exposed, that they themselves symbolized new engineering feats, but also represented a new modern age. Nygaard’s work such as Unapologetic Architect II (2010), brings attention to certain forms and shapes that have also been crucial in establishing the modernist aesthetic. This piece is a drawing of an imagined building, which compresses rectangular shapes to form a complex architectural structure, reminiscent of a mall or some other social space. A uniform grid of windows covers the walls and the roof, with steel frames and glass convening in an angular geometric reality of cubes and squares. Unlike a circle or a triangle, the cube is infinitely divisible into the same shape, into equal portions, and thus it may represent equality itself. Here, the clean lines and Lego-like units that define this public place suggest a uniformity of the social body, of its infinite mass, and how its wealth and property can be portioned into discrete, equal yet separate units. »

Entire Article / Suite de l’article

Text: The One Thing After Another. by Wojciech Olejnik – Interview in Måg magazine 2011. Were do artists come from, by Per Kristian Nygård 2011

De Zeen Article and pictures here

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Untitled (Plastic Cups)

BecauseArtIs-Tara-Donovan
Untitled (Plastic Cups), 2006. plastic cups, dimensions variable.
By the artist Tara Donovan.
« Tara Donovan (née en 1969 à New York) est une artiste américaine vivant et travaillant à Brooklyn (New York). Elle est connue pour son installation d’art in situ qui utilise des matériaux de tous les jours et dont la forme s’inscrit dans l’art génératif. »
« Tara Donovan (b. 1969, New York) creates large-scale installations and sculptures made from everyday objects. Known for her commitment to process, she has earned acclaim for her ability to discover the inherent physical characteristics of an object and transform it into art. « 
Full article on the Pace Gallery website here.
Bio and pictures on Ace Gallery website here.
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The World is in Itself

becauseartis -The world is IN ITSELF_carolyn Porras

The World is in Itself
Gouache, Hologram Paper, Colored Pencil
28″ x 35″
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