Erosion

Because Art Is - Pascale Fournier - Erosion - Porcelain - 2015 - 9-10 inches

Pascale Fournier

Erosion, Porcelain, 9-10 inches, 2015

The artiste website here / Le site de l’artiste ici

Erosion is a graphic sculptures association in porcelain. The artist is deconstructing the main form of her artistic work, looking for a sort of pure white and pure line in the sculpture. Pascale Fournier always revisits what makes singularity, using a variety of materials and technics which makes her a total artist.

Erosion est une association de sculptures graphiques en porcelaine. L’artiste déconstruit la forme principale de son travail artistique, à la recherche d’une sorte de blanc pur et d’une ligne sculpturale épurée au possible. Pascale Fournier revisite sans cesse ce qui fonde la singularité, usant d’une variété de matériaux et techniques, ce qui fait d’elle une artiste totale.

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« Pascale Fournier is a French Artist born in the US in 1951. Her artworks are currently exhibited in Spain, CA & NJ in the US, France and in Uruguay. Pascale Fournier is mainly working with ceramic, porcelain and resin. The artist works mostly on sculpture series, often presented as groups or crowds, each one interacting with each others. The artist is a total contemporary artist, integrating Performances, Installations, Video, Photography, and various mediums in her artistic propositions.

Pascale Fournier is working on a graphic minimal line, using the technic to use various materials with a perfect precision. She uses history and mythes to elaborate interesting contemporary allusions to the past, working with both traditional and modern tools and technics, including 3d.

We are always looking for new places to display Pascale Fournier’s artworks. Don’t hesitate to ask us some details about the procedure and the available sculptures or current installations and art performances. »
« Pascale Fournier, Artiste Française, née aux Etats-Unis en 1951. Ses œuvres sont actuellement exposées en Espagne, CA & NJ aux Etats-Unis, en France et en Uruguay. Pascale Fournier travaille principalement la céramique, la porcelaine et la résine. L’artiste conçoit, bien souvent, des séries de sculptures présentées en groupes ou foules, chaque sculpture interagissant avec le groupe. L’artiste est une artiste contemporaine totale, intégrant Performances, Installations, Vidéo, Photographie et divers médiums à ses propositions artistiques.

Pascale Fournier élabore un travail non figuratif et recherche une ligne minimale graphique, en utilisant la technique pour explorer différents matériaux avec une parfaite précision. Elle travaille avec des outils et des techniques à la fois traditionnelles et modernes, y compris liées à la 3D. L’artiste se réfère à l’Histoire et aux mythes pour élaborer d’intéressantes allusions contemporaines au passé.

Nous cherchons continuellement de nouveaux endroits pour exposer les œuvres de Pascale Fournier. Ne pas hésiter à nous demander des détails sur la procédure et les sculptures ou installations actuellement disponibles et performances artistiques en cours. »

 

Pascale Fournier blog : Here / Ici

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Perception et territoire – Méditerranée

Francois-Machado_Perception-et-territoire_Mediterranee - Because Art Is

François Machado

Perception et territoireMéditerranée – projet 2014-2016 – 52 x 580 x 272 cm

François Machado is born in 1979 in France. He is working and living in the south of France. He mainly explores volumes and subjects surrounding us without attracting our attention. That way, the artist creates poetic installations by revealing what we don’t look at, sharing with us a strong artistic work.

François Machado est né en 1979 en France. Il travaille et vit dans le sud de la France. Il explore principalement les volumes et sujets qui nous entourent sans attirer notre attention. De cette façon, l’artiste crée des Installations poétiques en révélant ce que nous ne regardons pas, partageant avec nous un solide travail artistique.

The artist website – Le site de l’artiste : here – ici

More about the artwork – Plus d’info au sujet de l’oeuvre : here – ici

 

A french writter, Elisabeth Couturier, shared some very good words about his work in French, translated here:

« In fact, Machado focus on empties and full which are parts of our environnement. Those through which we circulate, without noticing, without seeing it. Or those, too, that stand in a particular part of our imaginary. »

That way,  in between other projects, the artist is working on a representation (scale: 2/3 millionth), hanging above our heads, of the Méditerranée, or more specifically the contact surface in between water volume and extremities of the earth. A stunning idea.  Then, the non-submerged lands disappear and the water that became solid, presents itself as a physical entity charged of memory :  » We speak, says the artist, about the Mediterranée, we know it, but do we know how it looks like? But do we know how to recognize its form when it is isolated? ». »

 

Quelques mots très justes écris par l’écrivaine Elisabeth Couturier au sujet de l’artiste:

« En fait, Machado se focalise sur les pleins et les vides qui dessinent notre environnement. Ceux à travers lesquels on circule, sans y penser, sans même les voir. Ou ceux, encore, qui occupent une place à part dans notre imaginaire. »

Ainsi a-t-il pour projet, entre autres, de représenter, à échelle 2/3 de millionième, suspendue au-dessus de nos têtes, la Méditerranée, ou plus exactement la surface de contact entre la masse d’eau de cette mer et la croûte terrestre. Une idée proprement renversante. Alors, les terres non immergées disparaissent et l’eau, devenue solide, se présente comme une entité physique chargée de mémoire : « On parle, dit-il, de la Méditerranée, on la connaît, mais sait-on à quoi elle ressemble ? Saurions-nous identifier sa forme lorsqu’elle est isolée ? » »

 

Portrait of Elisabeth Couturier – Portrait de Elisabeth Couturier : here on Aica France – ici sur Aica France

Video Interview of François Machado: here – ici

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Lie of Freedom

Assadullah Baran Bromand. Lie of Freedom, Installation – with 9 Burqas and one Turban, Kabul, 2012-2013

Assadullah Baran Bromand

« Assadullah Baran Bromand is a contemporary artist born in 1992. He is one of the main members and founders of Berang Arts Organization. Assadullah has participated in many contemporary art exhibitions held by Berang in collaboration with the Goethe Institute of Afghanistan, National Gallery of Afghanistan, French Institute of Afghanistan, and Queen’s Palace (Bagh-e- Babor). (…) Assadullah researches ways to maintain peace, « through human being’s reality of art ». »

Assadullah Baran Bromand est un artiste contemporain né en 1992. Il est membre et co-fondateur de la Berang Arts Organization. Assadullah a participé à de nombreuses expositions d’art contemporain organisées par Berang, en collaboration avec l’institut Goethe, la Galerie Nationale, l’Institut français et le Queen’s Palace en Afghanistan. (…) Assadullah recherche des moyens de maintenir la paix, à travers ce qu’il appelle la réalité humaine de l’art.

 

The artist words about the Installation. Les mots de l’artiste sur l’installation.

// « My project Lie of Freedom consists of 9 Burqas and one Turban, has started in 2011. It exposes and explains the reasons of war and human killing by bringing the memory of people before, during and after civil wars in Afghanistan. (…) « 

The artist talks about an international and domestical awareness to have in order to understand and prevent the « wrong realities and missing ideologies ».

« In 2011, I had made a first version of this installation at the in French Cultural Center, Kabul. But The exhibition was closed and I was imprisoned.  In 2013, finally I made this artwork in a place where it should have been installed first-hand: In a destroyed place, which was a military base at the time of Mojahidin on 12th April 2013 from 1:00 PM to 4:00 PM in Qambar Hill, Omid-e- Sabz township, Kabul. »

// Mon projet Lie of Freedom (Mensonge de Liberté), est constitué de 9 Burqas et un Turban, comme initié en 2011. L’œuvre explore et expose les causes de la guerre et des pertes humaines par un travail lié à la mémoire de l’avant, pendant, et de l’après guerre civile en Afghanistan.

L’artiste parle d’une conscience domestique et internationale à acquérir pour comprendre et prévenir ce qu’il appelle « les fausses réalités et le manque d’idéologies ».

En 2011, j’ai réalisé une première version de cette installation à l’Institut Culturel français de Kabul. L’exposition ferma et je fus emprisonné. En 2013, j’ai finalement redonné à cette oeuvre la place qu’elle aurait du occuper dès le début : Dans un endroit détruit, qui était auparavant une base militaire de Moudjahidines (« on 12th April 2013 from 1:00 PM to 4:00 PM in Qambar Hill, Omid-e- Sabz township, Kabul »).

Extracts and translations based on Art Raker contents – Extraits et traductions réalisés sur la base des contenus de Art Raker. Here – Ici

 

More about Berang / Plus d’infos sur Berang : Here – Ici

French Institute blog / Blog de l’Institut français : Here – Ici

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Intimate Vestiges

The rug Fiona Robert

Fiona Roberts

Intimate Vestiges, details of the rug (Vestiges Intimes, détail du tapis).

Installation.

See the full Installation here. Voir l’installation dans son ensemble ici.

There are not much informations about the biography of the artist online, or about her origins and aspirations. But there is a very interesting article from design boom explaining a part of her work, linked with her may – june 2015 exhibition at the Kickarts Contemporary Arts.

Il n’y a pas beaucoup d’informations à propos de la biographie de l’artiste en ligne, ou à propos de ses origines et aspirations. En revanche, on peut relever un article très intéressant, provenant du site internet Design Boom, expliquant une partie de son travail, en lien avec son exposition réalisée en mai juin 2015 à la Kickarts Contemporary Arts en Australie.

« For the exhibition ‘intimate vestiges’ at kickarts contemporary arts, australia, artist fiona roberts explores the personal and individual nature of the home through a variety of body textures incorporated into traditional household furnishings. abstracted through repetition, pattern and traditional ornamentation, these pieces installed throughout the bedroom installation blur the boundaries between the home and the body, making it difficult to determine where the house ends and where the person begins. »

Pour l’exposition « intimate vestiges à la Kickarts Contemporary Arts, en Australie, l’artiste Fiona Roberts explore la nature personnelle et individuelle de la maison à travers une variété de textures liées au corps, qu’elle incorpore dans l’ameublement de la maison traditionnelle.  Rendues abstraites par la répétition, les motifs et l’ornementation traditionnelle, ces pièces installées partout dans l’Installation de la chambre, brouillent les frontières entre la maison et le corps, rendant difficile à appréhender la limite entre ce qui est la maison et ce qui est déjà la personne dans l’environnement de la pièce.

Link to the entire article here – Lien vers l’article complet ici.

Traductions par Because Art Is. Translations by Because Art Is.

 

“The house and the body are palimpsests of life events with their history inscribed into every surface. They are repositories of treasured moments, of everyday routines and memories, of growing up or growing old, of accidents, of habits, and of fear and trauma.

The subjective nature of the home is explored through a variety of body textures that are obscured by pattern, repetition, and traditional ornamentation in household furnishings. This blurs the boundaries between the home and body, making it difficult to determine where the house ends and where the person begins.

The conventional items of the home that generally go unnoticed become the focus of our attention and quietly reveal their personal history”.

Quote from Fiona Roberts about Intimate Vestiges – Citation de Fiona Roberts à propos de Intimate Vestiges.

 

Above all, Fiona Roberts seems to be one of the rare very strong young artists that might surprise us in the next years and become somehow a reference in Art.

Au delà de tout, Fiona Roberts semble faire partie des rares jeunes artistes dont le travail, très solide, promet de nous surprendre dans les années à venir, jusque devenir une référence en Art.

Because Art Is.

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The five stages of grief

Victoria Siemer - The Five stages of grief - Because Art Is - becauseartis.com

Victoria Siemer
The five stages of grief. ( Les cinq étapes du deuil ).
Photography, 2014.

« Victoria is a graphic designer living in Brooklyn NY. Obsessed with the idea of the fragmented self, she recreates and develops this theme in her visual work. It’s as if the art itself is an act of repetition compulsion for her. »

Victoria est designer graphique, vivant à Brooklyn, New York. Obsédée par l’idée de l’être fragmenté, elle crée et développe ce thème dans son travail artistique. C’est comme si, l’art lui-même, était une compulsion répétitive selon l’artiste.

Quote from WorldPhoto.org – Trad. by Because Art Is.

The artist website (here) – Le site internet de l’artiste (ici).

Article about her on a very interesting website : Artists inspire Artists (here) – Article sur elle sur un site internet très intéressant : Artists Inspire Artists (ici).

The title of the artwork seems to be a reference to Elisabeth Kübler-Ross’s book “On Death and Dying”, written in 1969.  She was the first to develope the idea of five stages in normal grief.

Le titre de l’oeuvre semble être une référence au livre de Elisabeth Kübler-Ross “On Death and Dying », écrit en 1969. L’écrivaine fut la première à développer l’idée des cinq étapes d’un deuil classique.

More details on psychcentral (here).

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Wedge

Gay Outlaw Wedge, 2013 Glass, epoxy, plywood 17” x 14” x 14”
Gay Outlaw
Wedge, 2013
Glass, epoxy, plywood
17” x 14” x 14”

Le titre de l’oeuvre signifie : « coin », ou « recoin ».

Artiste website – Site de l’artiste.

GAY OUTLAW

Born in 1959 in Alabama.

« Outlaw realizes her abstract forms in a challenging mix of materials, from glass to plastic to felt, to found materials like pencils or rubber hoses– at times, she has employed food in her sculptures. Even as a fan of minimalism, she offers viewers new relationships to formal art, taking them beyond its past rigors. »

Née en 1959 à Alabama aux États Unis.

Outlaw réalise ses formes abstraites dans un mélange technique de matériaux, du verre au plastique, en passant par le feutre ou des matériaux de récupération comme des crayons ou tuyaux en caoutchouc. Il lui est aussi arrivé de d’utiliser de la nourriture dans ses sculptures. En fanatique du minimalisme, elle offre une autre approche de l’art formel, dépassant sa rigueur traditionnelle.

Extract from Paule Anglim Gallery website, free translation by Because Art Is.
Extrait du site internet de la Galerie Paule Anglim, traduction libre de Because Art Is. (Here – Ici).

Paule Anglim represents permanently the artist Gay Outlow and had organized a marvelous exhibition of her work in 2014 at the Gallery in San Francisco. Unfortunatly, Paule Anglim passed away on Thursday April 2, 2015. We acknowledge her strong work and invite you to go see the retrospective set in her honor. You can still go there until June 27th.

Paule Anglim représente l’artiste Gay Outlaw de façon permanente et avait organisé une exposition somptueuse de son travail en 2014 à la galerie de San Francisco.

Malheureusement la galeriste Paule Anglim est décédée le 2 avril 2015. Nous saluons son travail colossal et vous invitons à aller découvrir la rétrospective organisée en son honneur à la galerie. Il vous reste jusqu’au 27 juin 2015 pour la découvrir.

Infos about Gay Outlaw past exhibition at the Galerie Paule Anglim – On Visual Art Source.

Infos sur la dernière exposition en date de Gay Outlow à la Galerie Paule Anglim – Sur Visual Art Source.

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Mary

Because Art Is, Mary by Angelo Aversa

Angelo Aversa

Mary, 2011

Woodcut/Gravure sur bois,

81.5 x 81.5 cm/ 32 by 32 in

 

Site Internet de l’artiste / Artist website

 

Angelo Aversa est un artiste Franco – Italien vivant à Paris dans le quartier de Menilmontant. Il travaille avec précision la gravure sur bois à l’atelier et on peut aussi le rencontrer dans les rues de Paris non loin de son Vélo-Galerie. Son travail titanesque mérite le détour et la personnalité joviale de l’artiste également. Entre portraits scénarisés et paysages d’une pensée un brun fantastique, l’artiste compose avec génie des oeuvres solides, assises sur un savoir faire incontestable.

A découvrir.

 

Angelo Aversa is an French – Italien Artiste living in Paris in Menilmontant. He is doing woodcuts with precision in the workshop and we can also meet him in Paris’s streets near his Bicycle – Gallery. His titanic work as well as his jovial personnality are worth a look. In between scenaristic portaits and fantastic landscapes, the artist creates, with genius, strong artworks, based on an undoubted expertise.

To discover.

 

Artist book – Livre de l’artiste

Discover some old woodcuts in a picture gallery here. – Découvrez quelques gravures anciennes dans la galerie d’images ici.

Facebook Page of the artist – Page Facebook de l’artiste

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Installation

Because Art Is - Kristian Nygaard - Installation at NoPlace Oslo. 2014.

Kristian Nygaard, Installation at NoPlace Oslo. 2014.

 

Site internet de l’artiste

Artist Website

 

Noplace in Oslo, discover the institution website

 

« The One Thing After Another
Per Kristian Nygaard at KHM Gallery
by Wojciech Olejnik

Per Kristian Nygaard’s exhibition The One Thing After Another explores the influence of social and political ideologies on public and private space, on its material composition, on its architecture. Consider House (2010), a model of a high-rise building constructed out of unfinished plywood. It towers over the viewer like a modernist sculpture, simple and elegant in its design and use of material. Such simplicity marks much modernist city planning and architecture, which seem to embody a bare rationality developed out of a rigorous consideration of the placement and arrangement of objects. This approach involves the implementation of an overarching order, where even ornamentation stems from its very structure, according to an inner logic. House (2010) presents the deduced, bare essentials of such a logic: form and material. Presented as a model it acts as a demonstration of the original design, of the formal concerns that precede the eventual completion of the structure, and in its unpainted state it brings attention to the raw material used in its construction.

It is no secret that in modernist architecture the materials used were often left exposed, that they themselves symbolized new engineering feats, but also represented a new modern age. Nygaard’s work such as Unapologetic Architect II (2010), brings attention to certain forms and shapes that have also been crucial in establishing the modernist aesthetic. This piece is a drawing of an imagined building, which compresses rectangular shapes to form a complex architectural structure, reminiscent of a mall or some other social space. A uniform grid of windows covers the walls and the roof, with steel frames and glass convening in an angular geometric reality of cubes and squares. Unlike a circle or a triangle, the cube is infinitely divisible into the same shape, into equal portions, and thus it may represent equality itself. Here, the clean lines and Lego-like units that define this public place suggest a uniformity of the social body, of its infinite mass, and how its wealth and property can be portioned into discrete, equal yet separate units. »

Entire Article / Suite de l’article

Text: The One Thing After Another. by Wojciech Olejnik – Interview in Måg magazine 2011. Were do artists come from, by Per Kristian Nygård 2011

De Zeen Article and pictures here

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